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文化
历史文化
众所周知，美国黑人的先民是16世纪初到19世纪末从非洲西部被贩卖到北美来的黑奴，那时的西非音乐便是今天美国黑人音乐的主要渊源。因为当时并没有音乐学家对西非地区进行过系统的调查，所以我们对那时西非音乐的情况并不了解。20世纪以来，特别是70年代以后，许多音乐学家到这一地区调查，使我们对其当代民间音乐的情况有了较深入的了解。考虑到当代民间音乐是古代民间音乐传承发展的结果，我们便可参考今天西非的民间音乐，推测16到19世纪西非民间音乐的主要特点。三、四十年代的上海就是爵士乐在中国的栖息地，曾出现过相当规模的爵士乐演出和一些颇具水准的爵士乐音乐家。不过那时的爵士乐主要是为舞厅伴舞。几十年的沧桑变迁，爵士乐在中国几乎销声匿迹，出现了近四十年的断层。而这期间正是爵士乐重要的发展阶段。爵士乐早已摆脱了四平八稳的伴舞的音乐形式，融合了丰富的音乐风格、文化特质和演奏技巧，最具音乐自身的魅力、表现力和感染力，早已置身于高雅艺术的行列。八十年代末以来，爵士乐在中国复兴，并赢得越来越大的发展空间。
现代文化
今天的爵士乐早已超越了各种单一的音乐文化形式，发展成为一种属于精神范畴的音乐，它最能体现音乐家灵感和和创新，它既有个人独奏、小乐团，也有类似交响乐团的大乐队编制。在当今世上能与古典音乐相提并论的恐怕唯有爵士乐了。因为爵士乐不仅旋律、和声和节奏方面极具特色，更主要的是它复活了古典音乐失传已久的即兴演奏。此外，爵士乐强劲的节奏、复杂的和弦体系以及高超的演奏技巧等等都因音乐家不同的喜好、文化背景和生活的体验而有不同的反映和表现。
爵士乐通过它独特的音乐语言，从不重复的、饱涵丰富文化特征的、极具个性的灵活的音乐演奏，时而低沉忧伤，如泣如诉，时而强劲高亢，激动奔放，直探听者的心底，给人深刻的精神体验和心灵的喜悦 在精神文明无限丰富的今天，众多外来的音乐形式冲入大陆，越来越多的青年开始追求富有个性的音乐，HIP-HOP就是如今深受年轻人喜爱的一种音乐形式。这种音乐节奏感极强，富有跳跃感，让人不禁全身舞动。然而大多青年只是受这种潮流的冲击，对HIP-HOP文化并无了解，甚至对歌曲的大段唱词也是不知所云。这里就要对HIP-HOP音乐常识进行“普及”，请各位同学注意听讲。
说起HIP-HOP音乐要从RAP讲起，RAP即我们俗称的“说唱乐”，说唱乐不仅是20世纪80年代至90年代在美籍非裔人世界里最风行和最具影响力的流行音乐形式之一，更是摇滚乐中最富争议的音乐形式之一。它的争议在于说唱音乐存在的社会和文化价值。在白人、黑人及Rock（摇滚乐）、Soul（灵魂乐）听众之间总是存在激烈的争论。一些摇滚乐早期的音乐和文化界限在说唱乐的发展过程中被不断打破。
说唱乐通常就是指唱歌的人用口语化的节奏在器乐和节奏部分的共同伴奏下来讲述一个故事。BoDiddley（波·迪德里）的、Shirley Ellis（舍丽·艾丽丝）的可以被看作最早的说唱作品。更直接导致说唱音乐产生的根源来自60年代末到70年代初。在当时的许多R&B（兰调音乐）、Funk（放克音乐）、Disco（的士高）音乐中、灵魂乐经常被抽减为一基本的节奏部分为主，器乐和演唱部分为辅的特殊形式。James Brown（ 詹姆斯·布朗）是最早在Funk音乐背景下使用说唱元素的前辈之一。
70年代初，很多的艺人在Percussive Jazz（器乐爵士）的伴奏下用说唱的形式来表达美籍非裔人的政治体验和城市生活感触。当时的纽约，尤其Brooklyn（布鲁克林）和Bronx（布龙科斯）两个街区，这里集中了不少牙买加社区，正是这里的牙买加DJ最先开始用Turntable（唱机）进行混音处理，并使之成为说唱乐中的标志性设备。然而，尽管70年代在纽约的一些大型聚会中已经开始使用更大规模的声音系统，但直到Sugarhill Gang（糖山帮）的于1979年的出版，说唱乐才有了正式的录音资料。1982年Grandmaster Flash（闪光首领）的单曲是说唱乐的 分水岭作品，他在很大程度内所产生的影响使说唱乐从此不再被人们所忽略，而且关于黑人及少数民族的社会评论和报道也开始更加直接和正面。
说唱乐从一开始就承受了许多来自听众的误解和敌意，他们认为这种音乐太过粗糙和单调，而且缺少传统观念上的旋律感。但是这种偏见并没有减缓说唱乐在那些来自底层的黑人青年中间迅速传播的速度，成百万的非裔孩子势不可挡的爱上了说唱。还没有哪种音乐形式能够像说唱乐这样使少数民族的文化成为大部分人的时尚。你可以跟着这种音乐跳舞，也可以跟着它哼唱，那些想组乐队的孩子们甚至可以不用像过去那样进行常规的训练。早期的说唱通常被称作Old School（守旧派说唱），代表人物有Kurtis Blow（科蒂斯·布劳）及The Fat Boys（胖男孩）等人，他们的音乐在今天听起来确实有些单调。
当时的说唱乐唱片还仅仅是一些单曲唱片，直到Run-D.M.C（运转D.M.C）出现，才用他们的成绩证明了说唱乐手的专辑唱片同样可以热销。他们的作品中除了保留了说唱乐中的社会生活题材，又引进了Hard Rock （硬摇滚）元素，这使得他们在评论界那里获得了和街头听众一样多的热爱。他们同重金属乐队Aerosmith（空中铁匠，又译“史密斯飞船”）的主唱Steve Tyler（史蒂夫·泰勒）及主音吉他手Joe Perry（乔·佩里）合作的颇受乐迷喜爱。除了是首批打入排行榜的黑人说唱乐队，他们也是最早获得白人中产阶级听众认可的说唱乐队之一。
80年代中后期，说唱乐继续在世界范围内大面积风行，这期间出现了LL Cool J（LL酷J）和Hammer（汉默）这样的超级巨星（也许你还记得早年的“小神龙俱乐部”播放过的一部动画片《汉默》，它就是以说唱歌手汉默为原型的，主人公拥有一双神奇的黑舞鞋，穿上它的汉默能够击败一切敌人保护地球）。当时的中国大陆上Disco开始风靡，汉默的音乐开始出现在中国人的耳边，虽然当时的国人还不知何谓说唱乐，但他们很喜欢跟着汉默的音乐跳舞，这也是中国人最早接触的纯正说唱音乐了。虽然当时的说唱乐唱片大部分都来自纽约和它的周围，但说唱乐在全美的流行也离不开它在其他城市的发展，如东海岸城市的费城、西海岸城市的洛杉矶和奥克兰等。
同时，说唱乐唱片的制作技术也越来越成熟，各种元素开始被运用到其中。随着对电子乐拍子越来越多的使用，HIP-HOP这个词开始变得流行起来。时至今日，HIP-HOP几乎成为了说唱乐的代名词。来自纽约的The Beastie Boys（野兽男孩）最开始是一支朋克乐队，他们把HIP-HOP与硬摇滚结合起来的做法使说唱乐在美国中产阶级的听众群里更加深入人心。
说唱乐的发展总是和城市帮派斗争交织在一起的，这一趋势在80年代末期愈加明显，Gangsta Rap（帮派说唱）这个词也应运而生。这种音乐孔武有力，大胆的揭露社会和种族公正问题，把主流媒体避而不谈的事实无情的公之于众。洛杉矶是这种音乐类型产生的温床，而费城的Schoolly D（学校D）则证明了其他城市也有帮派说唱，Boogie Down Production（向下的布基产品）为帮派说唱树立了标准，N.W.A将之发展到了极致。这种说唱乐类型中涌现出了Ice T, Snoop Doggy Dogg, N.W.A等优秀艺人，其中N.W.A在歌曲中大肆谈论黑人社会里的犯罪、性和暴力，与他们相比，记者所报道的边缘问题简直就是小儿科。在遭到舆论强烈抨击的同时，他们也取得了巨大的成功。在组合解散后，作为单独的艺术家，Dr.Dre（瑞医生）、Ice Cube（艾斯·库博）、Eazy-E（安乐E）也分别取得了事业上的成功。
到了九十年代中期，说唱乐的强劲势头开始减弱，大量模仿瑞医生风格的人开始出现，它们使说唱乐成为R&B和HIP-HOP的简单混合体。到1996年时尽管销量已经大不如前，但帮派说唱依然可以在排行榜上取得位置。1996年末，Tupac（图帕克）被暗杀致死，半年后The Notorious B.I.G（臭名昭著大先生）也惨死于复仇的枪下。这两起事件为帮派说唱的一代画上了休止符。
品种和特点
美国黑人音乐大致可以分为劳动音乐、宗教音乐和流行音乐三个类别。劳动音乐中主要的品种是劳动歌曲；宗教音乐中最有影响的是黑人灵歌（the Negro spiritual），福音歌（gospel music）；流行音乐中则有蓝调（blues）、爵士（jazz）、迪斯科（disco）等不同的品种。在这些品种中，最早出现的是劳动音乐，而最有影响的则是蓝调和爵士。
劳动音乐中最重要的品种是被称为“field holler”的号子，号子都是即兴编唱的，大都用虚词为歌词，只有很少一部分用实词为歌词，大多采用五声音阶，而且不少音“带腔”（bent pitches或flexible tones），后来就成为蓝调中的特有的蓝调音（blue notes）。号子多采用一领众和式，节奏比较复杂。
灵歌是信仰基督教黑人在教堂中演唱的宗教歌曲，其内容多表现痛苦的情感，如《你是否在场？》的歌词为：
当我主被钉上十子架，你是否在场？
当我主被钉上十子架，你是否在场？
主啊！那情景令我发颤
当我主被钉上十子架，你是否在场？
当他被钉在树上，你是否在场？
当他被钉在树上，你是否在场？
主啊！那情景令我发颤
当他被钉在树上，你是否在场？
灵歌最初是即兴演唱的，也多采用一领众和的形式，所以也比较容易学。虽然它的内容是基督教的，但它的演唱形式和创作方式都保存了西非的传统。
蓝调产生是在美国内战之后产生的，当时有不少被解放了的黑奴离开农场和家乡去做他们所不熟悉的工作，如修铁路、挖沟等，辛苦的工作和菲薄的工资使他们感到痛苦，便即兴编唱一些歌曲来表达自己的不幸，这便是最初的蓝调。晚上，黑人们在聚居地方唱蓝调自娱，这种蓝调称为“乡村蓝调”（rural blues）。后来有黑人歌手到城市中的酒吧和沙龙去演唱乡村蓝调，并用吉他、口琴或钢琴伴奏，这些由专业歌手所演唱的蓝调则被称为“城市蓝调”（urban blues）。
蓝调歌词的主要题材是关于爱情和劳动生活，歌词最初的格律是每段一句，重复演唱三次，后来演变为每段两句，第一句重复，构成AAB形式，如：
你还要像狗一样待我多少年？
你还要像狗一样待我多少年？
我宁可快些死去，在地下长眠。
蓝调的旋律一般是12小节，每句歌词唱4小节，3句正好是12小节，这种形式被称为“12小节蓝调”（twelve-bar blues）。12小节一段显然继承了西非音乐12拍为一个单位的传统。蓝调采用主和弦、属和弦和下属和弦伴奏，其和声进行的一般规律是第一句用主和弦，第二句前两小节用下属和弦，后两小节用主和弦，第三句前两小节用属和弦，后两小节用主和弦。和弦进行是进行即兴演唱和演奏的基础，歌手们能够根据这一简单的和声进行，即兴编唱出无数优美动听的曲调，也正因为用这个有12小节的和声进行为基础，歌唱家和器乐演奏家才能配合默契，即兴地进行创造。
蓝调乡村蓝调演唱者多为男性，城市蓝调的演唱者则多为女性，蓝调的演唱家和演奏家经常和爵士音乐家合作，他们之间的关系密切。因为蓝调和爵士都是黑人创造的音乐，节奏复杂多变，旋律都用蓝调音，还都强调即兴演唱和演奏。
谈到爵士乐就不能不提到拉格泰姆（Ragtime）音乐，在英文中“拉格”一字的意思是用切分节奏来演奏一个旋律。拉格泰姆出现在19世纪末，是当时的作曲家们创作的一种钢琴独奏曲，虽然它采用欧洲古典音乐的和声，但受黑人音乐的影响，充满切分节奏。
在美国内战结束后，黑人音乐家们可以得到或用比较便宜价钱买到内战时期军乐队所用的乐器，新奥尔良的黑人音乐家便开始用他们自己方式演奏这些乐器。他们不仅在举行庆祝游行时和音乐会上演奏，也为葬礼演奏。葬礼结束后在从墓地回城市的路上，他们常用拉格泰姆音乐中切分节奏演奏流行歌曲，并自由地进行加花和炫耀自己的演奏技巧。黑人的管乐队逐渐从室外的仪式性乐队演变为以伴舞和娱人为主的室内乐队后，音乐家们用格泰姆音乐加切分节奏的办法来演奏欧洲的进行曲、舞曲，甚至歌剧选曲，并加上即兴演奏的段落。就这样，新奥尔良的黑人音乐家们便逐渐创造一种新的演奏方式-爵士乐。
“爵士”诞生在20世纪初，最早写作“jass”、“jasz”或“jazz”，后来才统一写为“jazz”。至于这种音乐为什么叫“爵士”也有不同的说法，但大多数研究家都认为这一称呼和新奥尔良地处斯道瑞维尔（Storyville）的红灯区有关，因为许多黑人音乐家最初就是在那一带的妓院和赌场里演奏的。（Ferris 1991：233）有人认为“jazz”一字源于“jasmine”（茉莉花），因为斯道瑞维尔的青楼女子多用茉莉花味的香水；也有人认为“jazz”源于“jezebel” （无耻的放荡女人），在19世纪末，这个单词在美国差不多就是妓女的代称。
爵士音乐家们在选定一首乐曲后，决定为它配什么样的和声和如何重复后，便开始即兴演奏。他们当时所选的乐曲，可能是拉格泰姆、蓝调、进行曲或流行歌曲。在即兴演奏时，一般由短号演奏旋律，黑管环绕主要旋律演奏对位旋律，长号演奏和声基础，而鼓打出各种节奏。每件乐器除伴奏之外，一般也要即兴地演奏一段。所以，与其说爵士乐是一种独特的音乐，不如说它是一种以即兴独奏和集体合奏相结合的独特演奏方式。这种方式之所以能够被音乐家实践，是因为它吸取了欧洲音乐中的精华-和声，在和声背景的制约下进行即兴演奏，使集体的合奏和个人的发挥都有了依据。这种方式又之所以为全世界的广大听众所欢迎和热爱，也在于它的原则和西方古典音乐不同，更能体现近现代人对生活的看法和现代人精神方面的要求。
1920年代，许多杰出的爵士乐演奏家从新奥尔良搬到了芝加哥，这样芝加哥便取代新奥尔良，成为爵士乐的中心。芝加哥的白人音乐家也喜欢爵士乐，便把一些流行的和古典音乐的曲调改编为爵士乐，但白人音乐家并不即兴演奏。这种根据事先写出总谱演奏的爵士乐被成为“甜爵士”（sweet jazz）。1924年，为了在卡耐基音乐厅演出，“甜爵士”的倡导者包罗。惠特曼（Paul Whiteman）请作曲家格什温（George Gershwin）按爵士乐的风格为交响乐队写了一首《蓝色狂想曲》（Rhapsody in Blue），这首乐曲演出后受到公众的热烈欢迎，被称成为“交响爵士” （symphonic jazz）。由于“甜爵士”和“交响爵士”都不是即兴演奏而是按谱演奏的，当时许多评论家都不认为它们是“爵士乐”。
美国黑人音乐的影响
爵士乐导致了“甜爵士”和“交响爵士”产生，但美国黑人音乐的影响远不止于此。有评论家认为爵士乐是美国人对世界文明三个最重要的贡献之一，我十分赞赏这个看法。因为包括爵士乐在内的美国黑人音乐，在20世纪初为世界音乐史揭开了新的一页。
从文艺复兴时代开始逐渐发展起来的欧洲古典音乐，在19世纪末发展到它的颠峰时代。从民族音乐学的观点来分析它，不难发现它有如下特性：
1）在音乐家内部有细致分工，一般是作曲家负责创作，写出乐谱，演奏家和歌唱家负责表演，按照乐谱唱、奏，很少有即兴表演。表演艺术家所应当表达的应当是作曲家彼时彼地的感情，而不应当是他们自己此时此地的感情。
2）这种音乐一般是在音乐厅中表演的，听众的职责是安静地坐在那里用耳朵听，一般不允许听众参与表演，在音乐的进行中听众必须洗耳恭听，不允许发出任何声音。
3）这种音乐虽然是反映生活的，但却不在日常生活中演奏，一般也不和劳动、仪式、游戏、恋爱等活动结合。同时，古典音乐有很高的技术性，不经过长期的专门学习和训练，无法掌握它；不经过长期的熏陶，也无法理解它。
如果把这种音乐文化和世界上其他音乐文化，如印度、中国、非洲、中东音乐文化加以比较，不难发现其他音乐文化都看重即兴演奏，都允许听众有某种程度的参与，都和日常生活本身密切结合，都有各种不同的实用功能，它们之间有更多的共性，西洋古典音乐和它们相比就显得非常特殊。欧洲的古典音乐文化的确是人类历史上一种杰出的，但也是比较特殊的音乐文化。
美国是全世界经济文化最发达的国家，早期移民主要来自欧洲，教授欧洲古典音乐是美国的大、中、小学校音乐教学的主要任务。然而根据2000年统计的材料看，美国只有10%到15%的人和欧洲古典音乐有所接触，在这些人中也只有一半对古典音乐真有兴趣，其他一半人只是偶尔听听罢了。也就是说，这个国家只有5%到7%的人对欧洲古典音乐感兴趣，而在这些人中间，听收音机的人最多，听唱片的次之，而去音乐会的最少。事实证明克拉克的看法很对，大众已不再对古典音乐感兴趣。
而美国黑人音乐却遵循完全不同的原则创作音乐，它以即兴演奏为主，演奏家和演唱家也就是作曲家，他们在表演时，倾诉自己的、而非他人的感情；表演可在各种场合进行，提倡人们参与，修养不那么高的听众也不会被拒之门外，除听觉效果外，也强调表演的视觉效果；因为他们希望音乐尽量地贴近生活，最好能和和生活融为一体。所以他们的表演符合大众的需求，非常受欢迎。
上述美国黑人音乐的原则，因为和欧洲古典音乐如此不同，所以能在古典音乐逐渐成为文化恐龙的过程中，为全世界指出了一个新的发展方向，许多不同民族的人都朝着这个方向努力，开辟了一个多元文化和方兴未艾的休闲文化的新时代。这是美国黑人音乐对世界音乐文化的影响所在，也是美国黑人对世界音乐历史做出的巨大贡献。
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